Prior to the exhibition Portrait-making, Rodin and his models (2009), the Rodin museum wanted to restore two busts of Hanako and Clemenceau. Interestingly, these two sculptures contain pieces of modern modeling materials (MMMs) invented at the end of the nineteenth century as an alternative to clay or waxes. The poor state of conservation of the two portraits made any handling and exhibition impossible. Accordingly, the purpose of this article is twofold: to contribute to technical art history and conservation. Elemental and chemical analyses were done on samples from 12 sculptures (SEM-EDX, FTIR, GC-MS, GC-FID, XRD, synchrotron-based μXRF, μXANES, and μFTIR) aimed at identifying the composition of MMMs used by Rodin on plaster sculptures and establishing hypotheses about the origins of their degradation. This thorough study of their composition and degradation was necessary to implement an appropriate restoration plan. The development of conservation protocols adapted to such materials is rarely documented. Different tests were performed on mock-ups (pH, solubility, adhesion, consolidation, and cleaning). In particular, a protocol based on laser cleaning was developed and successfully applied to remove superficial dust and crusts so that the sculptures regained their original aspect.

Entre 1907 et 1912, le sculpteur Auguste Rodin réalise de nombreux portraits de la comédienne japonaise Hanako, qui l’avait fasciné par son jeu de scène tragique. Le musée Rodin conserve une cinquantaine d’épreuves en plâtre et terre cuite issues de cette recherche. Une étude technique menée en 2018 et 2019 a permis de retracer la généalogie de ces portraits, grâce à l’analyse minutieuse et rigoureuse de toutes les traces de mise en œuvre. Révélant le processus de création, qui débute par une observation morphologique du modèle visant à explorer en différentes voies l’expression du visage, l’étude offre par ailleurs de précieux renseignements sur l’usage des différentes techniques de moulages dans l’atelier de Rodin.

Chef-d’œuvre du département des Sculptures du musée du Louvre, le Christ dit Courajod (RF 1082) a été étudié puis restauré dans les ateliers du C2RMF entre 2007 et 2011. La polychromie de cette œuvre présentait un état de conservation médiocre, résultant essentiellement d’une tentative de dégagement non maîtrisé en 1956. Cette intervention a créé un état de surface confus induisant une perte de visibilité des qualités plastiques de la sculpture. L’élimination de l’ensemble des repeints a permis de découvrir une polychromie originale romane d’une facture remarquable et d’une grande finesse, aux coloris subtils jouant sur un contraste entre des carnations pâles, des cheveux et une barbe d’un noir soutenu et un périzonium d’un bleu intense rehaussé d’or.

inscrivant cette opération dans une longue tradition de collaboration, depuis la publication, Sculptures en cire de l'Égypte ancienne à l'art abstrait 1 , jusqu'aux études sur les sculptures caricaturales en différents matériaux dues à Honoré Daumier 2. Avec ce plâtre, un nouveau domaine d'étude est ouvert aux investigations, celui de la polychromie, que Quatremère de Quincy qualifi ait d'artifi cielle, sur un support monochrome : en cela, elle différait de celle pratiquée par Cordier, qui pouvait associer dans une même oeuvre des marbres de couleur variée 3. Corinthe, une oeuvre du XIX e siècle ? Théorie artistique et contexte historique La réalisation de la Corinthe au XIX e siècle doit être replacée dans le contexte qui la vit éclore : celui du débat, apparu dès la fi n du Moyen Âge, sur la couleur des sculptures au moment même où Vasari parlait de rinascità à propos des oeuvres de Nicolo da Pisano, inspirées du décor d'un sarcophage romain. Avec la découverte et la fouille (à partir de 1738) des vestiges d'Herculanum puis de Pompéi en Italie, le monde des antiquaires du XVIII e siècle doit penser l'art et l'esthétique selon de nouveaux critères, nés de la confrontation entre les vestiges archéologiques et l'art de leur époque, qui sépare radicalement peinture et sculpture. Les oeuvres exhumées portent encore des traces de peinture, qui interpellent aussi bien J.-J. Winckelmann, le comte de Caylus que Quatremère de Quincy 4. Ce débat est nourri en fi ligrane par les avancées en physique effectuées par Isaac Newton 5 sur la connaissance de la lumière, qui est blanche, et des couleurs : ce dernier met en évidence la composition de la lumière, comme la somme de toutes les couleurs perceptibles par l'oeil humain, ce qui contredit l'expérience de l'artiste, qui, en mélangeant les pigments, n'obtient qu'un gris sale. Les découvertes de sculptures antiques polychromes jalonnent les XVIII e et XIX e siècles : fi nalement acceptée pour

À l’occasion de sa présentation lors de l’exposition temporaire « Les premiers retables (xiie-début du xve siècle). Une mise en scène du sacré » au musée du Louvre en 2009, le retable de Carrières-sur-Seine a bénéficié d’une étude puis d’une restauration effectuée entre 2006 et 2008. La polychromie de cette sculpture, lacunaire à 90 %, qui plus est extrêmement fragile, a été refixée, nettoyée et certains repeints ont été éliminés. Bien qu’associé au premier art gothique par les circonstances de sa commande, ce retable présente une polychromie relevant encore de l’esthétique romane, fondée sur une harmonie de couleurs vives et contrastées, telles le rouge vermillon, le bleu lapis-lazuli, le blanc et l’or. Les architectures et les rinceaux qui encadrent les scènes étaient également vivement colorés de rouge, de vert et de bleu.