Imagens da versão impressa.

As décadas de 1960 e 1970, geralmente referidas como momento de abertura da segunda onda do feminismo, foram palco de importantes utopismos feministas também no âmbito da linguagem – e, consequentemente, da literatura –, paralelamente ao ativismo militante. O presente trabalho oferece uma breve análise de três ficções utópico-feministas no tocante a questões da linguagem, em suas interfaces com dinâmicas da ação tradutória: The Cook and the Carpenter (1973), de June Arnold, Woman on the Edge of Time (1976), de Marge Piercy e Ancillary Justice (2013), de Ann Leckie, observando suas respectivas traduções, tanto existentes quanto potenciais. Numa perspectiva informada pela Crítica Feminista, pelos Estudos de Gênero e pelos Estudos da Tradução, nossa reflexão enfoca as formas pelas quais as linguagens feministas experimentais configuradas nessas obras e em suas traduções sublinham e desestabilizam o sexismo e o binarismo de gênero conforme materializado na/pela linguagem.

Em 1928, Virginia Woolf publica, em sua editora Hogarth Press, o livro Orlando: A biography, composto com nove retratos, entre fotografias e pinturas. Traduzido pela primeira vez por Cecília Meireles em 1948, atualmente Orlando apresenta-se ao público brasileiro em seis traduções diferentes, mas somente em 2015 em edição e tradução de Tomaz Tadeu, tivemos acesso, pela primeira vez, a todo seu paratexto editorial (em conceito expandido de GENETTE, 2009). Tadeu, por meio da coleção Mimo do Grupo Autêntica, ao restaurar o subtítulo e outros elementos paratextuais, especialmente as imagens, torna-se responsável por inserir no mercado literário do Brasil outro perfil do texto e do modernismo woolfianos. Os retratos são imprescindíveis nas negociações dos significados em Orlando, pois caracterizam as personagens visualmente, assim como o biógrafo o faz narrativamente. Imagens e vozes narrativas devem ser concomitantemente equiparadas, porém, à função de agentes duplos, sempre atuando na subversão do binômio realidade/ ficção. As pinturas e as fotografias participam na composição das mudanças (de século, de estilo, de sexo) ao longo do texto, mas em contraposição às palavras do biógrafo, que tentam imprimir-lhes uma função documental, invocando-as como evidências, elas – as imagens – nada provam. Antes, como veremos, forjam.

Most critics argue that the television comedy One Day at a Time (2017), produced in the United States, is a progressive show, mainly due to its cast, its attempt at faithfully representing an ethnic minority, and its courage in advancing relevant, sensitive topics. In order to qualify such assumptions, we will review the history of the sitcom formula, particularly the genre often defined as domestic comedies of the 1970s, and argue that its formal constraints impose unsurmountable limits on a progressive agenda. Finally, we proceed with an aesthetic analysis of the first season, which further demonstrates that the genre’s need of family stability—what we call a hierarchy of values—compromises the dramatization of political content. We hope that by examining the genre’s history and analyzing the show’s aesthetic, we can contribute to a better understanding of its inherent shortcomings and compromises.

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